Lorsque Carolina Moscoso illustre la discothèque pour notre dernier magazine éponyme, c’est une explosion de couleurs qui ne s’excusent pas une seconde d’être là, des formes géométriques qui font de l’oeil aux illusions d’optique et un hasard abandonné au profit d’une construction graphique millimétrée. Le club lisboète qu’elle représente et dans lequel elle a passé sa jeunesse s’appelle le Lux. Ça veut dire lumière en latin, et nous, nous avons décidé de la projeter sur son travail brillant.
Carolina Moscoso construit. De son passé d’architecte, l’illustratrice a gardé cette habitude. Elle construit ses images comme elle construit ses idées : avec de nombreuses références, un grand sens du détail et une cuillère d’imagination. Une recette généreuse, à l’image des réalisations de Carolina. Si ses désirs la poussent en avant depuis longtemps – comme lorsqu’elle est partie de son Portugal natal pour rejoindre l’École des Arts Visuels à New-York, et qu’elle à fini par y poser ses valises, trouvant ainsi sa voie – c’est bien son passé qui résonne dans ses productions.
Car de son expérience d’architecte, Carolina Moscoso à gardé certaines habitudes et une vision assurément graphique des choses qui nous entourent. Vous ne serez pas étonnés d’apprendre qu’aujourd’hui encore, ce sont les intérieurs qu’elle aime dessiner. Oui, on parle ici des intérieurs d’habitation, flottants quelque part dans un aspect rétro emprunté aux images cinématographiques et une modernité avant-gardiste. Mais l’on peut également apprendre à découvrir, caché entre les lignes assurées qui quadrillent ses illustrations aux couleurs franches, ce qui meuble l’intérieur de son esprit, un savant mélange d’introspection, de souvenirs et le goût du beau, même lorsqu’il est question de la représentation d’une lampe de chevet ou d’un couteau à beurre.
Les traits sont parfaits, disposés de telle manière que l’image dégage finalement un hypnotisme inexplicable. Cependant – et c’est là que réside toute la magie de son travail – caché quelque part au milieu de ses motifs répétés, il demeure une dose d’étrange, un petit quelque-chose d’inattendu, qui vous fait vous demander s’il s’agit là d’un rêve ou d’une réalité. Le bizarre se fraye un chemin, se jumelle au beau, et devient alors difficilement cernable. Les images de Carolina, c’est une histoire de ressentis, d’espace-temps suspendu, où tout semble familier et pourtant inédit.
Hello Carolina. Pour Kiblind Discothèque tu as réalisé une illustration haute en couleurs et riche de détails, qu’est-ce que tu souhaitais raconter ?
Bonjour Kiblind ! Ce thème de la discothèque m’a ramené à mes vingt ans, lorsque je vivais à Lisbonne, juste avant de venir à New-York. C’était une période particulière où je terminais mes études, où je découvrais le quotidien d’architecte et où je me rendais compte que je voulais dessiner pour gagner ma vie, donc une période marquée par un important bagage émotionnel. J’ai donc laissé ces choses ouvrir cet espace de mémoire, légèrement incohérent, mais qui se matérialise dans un espace qui enferme assez bien cette « époque », qui est le Lux.
Si vous connaissiez Lisbonne avant 2010 (quand elle n’était pas si instagramable), le Lux était un endroit que seule Lisbonne pouvait vous offrir, si unique dans son design, son atmosphère et la foule qu’il attirait. Ainsi, à travers cette illustration, je manifeste un sentiment chaotique de voyeurisme, d’aliénation, de design (également inspiré par l’espace lui-même – les trois niveaux de l’illustration représentent une séquence du club, de l’entrée à la piste de danse, en passant par la terrasse).
Je pense à ce théâtre de la socialisation avec des couches d’identités qui se heurtent dans un même espace – l’exagération du caractère, les personnages à la mode, les objets iconiques et l’attitude féroce générale – quelque chose de poétique avec une odeur de drame psychologique s’est approprié cet espace et nous ne sommes pas sûrs de ce qui est sur le point de se produire.
Il y a une certaine connotation à l’univers de l’illusion d’optique dans ta création, aller danser en discothèque c’est être vrai ou faire semblant ?
On pourrait dire que l’on fait l’expérience de la réalité lorsqu’on fait abstraction du monde extérieur et qu’on laisse son corps danser librement. Il faut aussi du courage pour être aussi vulnérable. C’est alors que l’on se rapproche d’un état émotionnel qui est probablement le plus précieux et le plus intimement révélateur de soi-même.
Mais je pense qu’il s’agit aussi de faire semblant, de la meilleure façon possible. Il s’agit d’entrer dans un événement parallèle à la vie, où le réel rencontre l’imaginaire par le biais de ce lieu de vulnérabilité. Une fantaisie qui exige aussi de se rétracter dans une sorte d’innocence ou de naïveté, qui est si honnête et déconnectée des normes.
Quelles techniques et matériel as-tu utilisé pour la réalisation de l’illustration ?
Il s’agit d’une illustration numérique créée avec Adobe Fresco sur Ipad.
J’ai tendance à suivre des règles simples lorsque je dessine numériquement. Limiter les outils est l’une d’entre elles, en choisissant généralement un seul type de crayon et en évitant tout effet ou l’excès de textures. Cela me permet de me concentrer sur le travail au trait, que j’adore. Cela renforce également l’aspect numérique du travail, où le crayon numérique est utilisé de manière minimale et précise et où l’illustration est assez plate, s’opposant ainsi aux gestes et aux processus analogiques.
Plus généralement, ton travail est très réaliste mais également empreint d’onirisme, voire d’abstraction. Qu’est ce qui t’inspire avant de commencer une œuvre ?
Je pense à une association avec les souvenirs des rêves – ils sont souvent incohérents, seulement brièvement ancrés à des références de la réalité qui suffisent à vous situer et à vous amener à un certain type de compréhension du mouvement, de l’histoire, du sentiment, etc. Cela dit, une grande partie de ce que je montre dans mon travail provient d’un état d’esprit et d’une curiosité de designer, conséquence de ma vie d’architecte. Je continue à canaliser ce besoin de concevoir dans les dessins, ce qui est bien plus satisfaisant dans ce monde virtuel incohérent. Parfois, il s’agit simplement de répondre à cette curiosité par un dessin et d’explorer cet « espace mental » et ce qu’il contient, les objets, les passages, les murs, etc.
J’aime aussi le cinéma et la photographie, qui me semblent fortement liés à cette recherche du cadre et de la composition. Une fois que ces choses existent dans votre esprit, je pense qu’elles se traduisent dans votre travail un peu comme un dessin automatique, dans mon cas aussi parce que je commence généralement mes dessins personnels sans avoir une idée claire de ce que je veux dessiner. Un soupçon de détail ou de placement suffit pour laisser le dessin suivre son cours, intuitivement, en le construisant à partir de petits détails en une existence plus dimensionnelle.
En observant tes réalisations avec une vue d’ensemble, bien que le noir reste une constante, tu sembles adopter du plus en plus l’utilisation de nombreuses couleurs vives. Est-ce une volonté consciente d’évolution ?
Elle évolue lentement, c’est certain. Je ne suis pas trop dirigée, mais je passe sciemment d’une attitude timide et morose à une attitude qui consiste à voir ce qui va se passer, parce que j’aime cette surcharge d’informations désordonnée. J’aime toujours l’humeur sombre, mais les couleurs plus vives ne se traduisent pas nécessairement par des vibrations joyeuses non plus, il y a différentes façons d’exprimer l’étrangeté et la bizarrerie avec elles. J’aime aussi la façon dont la palette audacieuse peut à elle seule construire un tissu si fort dans le dessin. Je dirais donc qu’il s’agit d’un intérêt et d’une expérimentation croissants.
Can you name 3 projects that have stood out for you aPeux-tu nous citer 3 projets qui ont été marquants pour toi et nous dire pourquoi ?
Le poster de Khruangbin : J’adore leur musique et j’ai été franchement surprise lorsque Laura m’a contactée. C’est assez spécial quand quelque chose comme ça arrive. Le fait d’avoir leur musique et un lien antérieur avec elle comme point de départ d’un dessin m’a donné beaucoup à traiter. Quelques-unes des exigences pour l’illustration concernaient l’iconographie du groupe, le thème de la tournée et le lieu du concert, après quoi j’ai eu une liberté totale pour dessiner, donc même s’il s’agissait d’une commande, j’ai eu l’impression que le processus était très similaire à celui de mon travail personnel.
La couverture de Bloomberg Markets : Parce que prendre en charge un projet de couverture est une énorme responsabilité et que ce projet en particulier était une collaboration étroite et intéressante avec le directeur artistique. J’insiste toujours sur le fait que les bonnes collaborations sont essentielles, en particulier avec des directeurs artistiques compétents et expérimentés. Il s’agissait donc d’un bon exemple d’une collaboration fructueuse et enrichissante.
Tea for Ten : Une exposition que j’ai faite au Moonlab 42 (concept store à Harlem) avec une série de vases/centres de table qui, lorsqu’ils sont présentés en rangée, simulent la mise en place d’une longue table. J’étais très heureux de passer du temps à les dessiner pour consolider certaines expériences antérieures sur les environnements domestiques et le monde des natures mortes. J’avais travaillé sur ces objets végétaux, jouant avec leur plasticité et leurs relations de structure, de proximité, de tension, etc. Cela a peut-être quelque chose à voir avec l’habitude de la représentation architecturale, mais ils sont presque comme de petites architectures perturbées par une fine ligne jaune – une interférence qui crée une légère tension/un malaise.
